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  • 发由心生 渐融——访“妙合神形:明清肖像画展
    新闻分类:艺术传真   作者:申博    发布于:2020-08-03 17:00    文字:【】【】【

     

      张楠:“妙合神形:明清人物肖像画展”是立足国家博物馆馆藏而进行的一次研究性展览,请问本次展览的策展是什么?将分为几个板块去全面呈现明清肖像画的整体面貌和特征?此次展览又有什么和意义?

      刘万鸣(以下简称刘):此次国家博物馆推出的“妙合神形:明清人物肖像画展”是在法馆长下举办的。王馆长多次强调要挖掘国博自身藏品的学术价值,所以才有机会把库房沉睡多年的藏品通过各种方式进行展示。一方面让观众全面了解国博的馆藏,另一方面可以通过此次展览对国家博物馆的文物进行清晰的梳理。国家博物馆书画藏品众多,多年来没有进行细致的梳理、研究和展出。希望通过这次明清肖像画展,能够针对国博肖像藏品方面进行整理和研究。在以后的策展中,国博将会呈现出更多相关的书画类作品进行展览。

      这次明清肖像画展主要分为四个单元:第一单元为帝后名臣,第二单元为雅集行乐,第三单元为名士闺秀,第四单元为学者像传。第一单元帝后名臣为宫廷御容像及名臣的肖像。第二单元的雅集行乐主要展示雅集图和行乐图两大类,可以从中体现明清肖像画的图示传承和演变。第三部分名士闺秀,侧重展示名士和大家闺秀的肖像。第四部分学者像传,展品为册页形式。在展览中我们采用独特的方式展示它的全貌,比如更替展示,或采用高仿把整个册页全貌展示出来。另外本次展览还特别策划了辅助展品,搭配相关文物进行展出。比如名臣肖像画会配合展示朝珠、顶戴花翎以及朝服等。旨在对这些作品进行更深入的阐释,突出明清肖像画的特点,通过实物和情境的设定,使观众对明清肖像画有一个全新的感受。

      此次展览中有很多在美术界具代表性的作品。无论从题材,还是技法上,都具有明显的中国传统绘画与外来文化相融的特征。所以这次展览也将会对当下的人物画创作带来。明清人如何在那个特定的时期,不自觉地吸收的艺术特点,又如何坚守中国艺术的本体,十分值得我们深思。

      张:传统绘画史中认为人物肖像画在宋元时期盛极一时,随着文人画的兴起,明清人物肖像画逐渐势衰。而实际上明清时期人物肖像画仍被不断图绘,形成了自身的特色。请您谈谈明清人物肖像画的特点,及其对前代有什么继承和变革的地方?

      刘:宋元人物画以线造型为主,体现了人物画的单纯之美。明清人物肖像画的特点,是在前代绘画的基础上发生了变革,其图式和技法都有了变化,注重图像的写实。明清人物肖像画在变革的基础上,形成了程式化。但程式化并不是肖像画所独有。花鸟、山水等无一例外,程式化的形成在某种程度上是时代风格的呈现,也是中国画的特征,更是中国人特有的美学观。明清人物肖像画在比例、结构上已和前代肖像画拉开距离,笔墨也发生了变化。

      明清人应用“凹凸立体”表述人物形象,凹凸之法确立了明清肖像画的特征。中国绘画强调心灵为主。就“光”而言,明清肖像画上的光影应强调中国传统意义上的心灵之光,而不是科学之光。同时,明清人物肖像画打破了以往的人物写真,加强了透视学,强调眼睛看到的东西。借鉴了传教士不太正统的绘画方法,强调了的表现。比如在比例、结构上给观者带来普遍的接受。这与唐宋肖像画相比较,对于普通人的接受则更为直接和便利。所以,明清肖像画中如“波臣派”独有的凹凸画法形成了潮流。

      另外,明清肖像画的可贵之处还在于对前人艺术继承的基础上,对具有深刻美学意蕴之国粹的保留,它继承了线性艺术的表达。其光影在线条和凹凸的表现中尚不科学,仍为“心灵之光”。同时,明清肖像画坚守了中国传统肖像画当中的笔墨。比如其脸部的凹凸仍是用笔墨皴染而成。其皴染之法与山水画、花鸟画之笔法异曲同工。这种“染”并不是的“染”,而是具有东方艺术的“晕染”。

      明清肖像画更强调绘画的生命线,其生命线即是绘画中之笔墨。所以,没有笔墨,就谈不上中国的绘画。这便是明清肖像画强大的中国文化基因。脸部和衣纹的“勾”、“皴”、“擦”、“染”,是区别于唐宋以来传统笔法的。所以,明清肖像画在视觉上比唐宋时期看起来更加丰富。如以曾鲸(1564-1647)为代表的“波臣派”所独创的凹凸技法,在晚明以来的中国画坛产生了广泛的影响。明清肖像画中白描的绘画方式也发生了变化:在线描轮廓后,又施以淡墨略加皴擦晕染。很多明清肖像画看似白描,其实已然不同。清代学者张庚(1685-1760)在《国朝画征录》中讲:“略用淡墨,勾出五官部分之大意。”其中“略”字用法甚巧妙。“略”是中国绘画之写意。“浑然”是“意”的一种呈现形式。晚明来自传教士的肖像画写实方法已臻成熟。清代肖像画则是在明代写实基础上逐渐产生出的一种古拙、夸张的绘画风格。清代绘画注重传神写意,回归到中国艺术的本体。由于清代有更多的文人介入肖像画创作,导致写意的彰显和注重。比如罗聘(1733-1799)、金农(1687-1763)的自画像,已和明代肖像画有显著区别。这种古拙和夸张并不是有意为之,而是自然生成。从唐宋元时期中国人物画的线描写实,到明代“波臣派”晕染的写实,再到清代的古拙夸张,中国肖像画的写实能力其实在逐渐衰弱。

      刘:客观上讲,明清肖像画尚存在一些缺陷和不足。比如,明清肖像画对的光影缺乏科学深入的理解。由于明清肖像画家接触到的画家并不是一流绘画大师,而是传教士。而传教士作品无法代表典型绘画风格。这就导致明清肖像画家对光影的理解还仅停留在表面,缺乏科学的认知。他们对结构的认识也没有完全深入,对油画那种深沉、自然的科学色彩观也了解得不够彻底。

      但是,恰恰因为明清肖像画家对的光影、结构、色彩学没有深入了解,反而能够使这一时期的肖像画保留了强大的中国画基因,这就是明清肖像画的所在。这和近现代以及当今画坛所提倡的融合有着本质的不同。比如徐悲鸿(1895-1953)所提倡的“中国画改良”,虽然是在保留中国绘画基因——线条的基础上,来改良中国画。但是,徐悲鸿对于结构、光影的理解已经完全趋向于的审美特征。

      刘:首先,在材料和绘画技法上有区别。但二者最本质的区别是内部层面上的不同。中国人画像叫“写真”、“写照”,“真”和“照”是由心而发,这是中国绘画的核心内容。而的写实方法不同于中国,人在创作时会使用放大镜、尺子,他们有着严谨的透视和结构关系。绘画是由物而发,从现实中吸取营养。中国画讲求“心”,绘画讲求“物”。中国艺术由物而展心,由而生发。比如,郑板桥曾强调中国画创作的三个阶段,即“眼中之竹”、“胸中之竹”和“手中之竹”。中国画讲求“似与不似”的美学意蕴。中国画家在创作表现上一般不单纯追求入微,更注重和追求真感与真情。比如,宋画讲究“格物致知”,宋代山水、人物、花鸟皆刻画精微,但却和现实中真实的物象不完全相同,因为宋代画家一般由心灵而创作。比如,宋代宣和年间(1119-1125)的翰林图画院以工笔花鸟著称于画史,但他们画的花鸟与现实不尽相同。崔白(1004-1088)的花鸟非常写实,但如果和真物对照,其作品包含了更多由心灵而生发的元素。中国画的取舍,就是在似和不似之间求得物质和生命的本质。其次,中国古代肖像画很重视眼睛的刻画。我国东晋顾恺之(348-409)曾提出“传神写照正在阿堵(眼睛)”的著名论断,这对中国人物肖像画影响至深。再次,“写心身要正”,中国传统肖像画只画正面光,不画背光和逆光,也不画阴影。而在绘画中,画家一般会表现各种角度的光,并且画阴影。总之,中国画家对内心的和把握,要强于对人物肖像外在审美的表现。中国画家更强调对的把握,这与“心灵之光”也有一定的关系。

      张:中国传统人物画讲求以线造型,而明清人物肖像画又吸收了的体面和光影的表现形式。请问线和面这二者在明清人物肖像画中如何融合起来,并加以运用?

      刘:晚明学者顾起元(1565-1628)在《客座赘语》中记载了利玛窦(1552-1610)对中绘画中明暗()的论述:“中国画,但画阳不画阴,故看之人面躯正平,无凹凸相。吾国画兼阴与阳写之,故面有高下而手臂皆轮圆耳。”我认为,中国画之所以只画阳面而不画阴面,这和中国人的有关。明清画家并没有完全模仿西画,他们的肖像人物画面部也没有画出明显的阴影效果。明清肖像画中的线面结合保持了中国画线性的,比如在衣纹和五官微妙处都隐含了线性的表现。线性艺术是中国绘画之文脉所在。但是,明清肖像画中的线性艺术和唐宋时期并不一样。这一时期中国画的纯粹特征正在逐渐减弱,已经吸纳了的绘画基因,从而具有杂交性。与唐宋相比,明清肖像画增加了“面”的表现方式。线面融合在一定意义上也可以说是之融。但明清肖像画更多的是在层面上的融合,这是其可贵之处。(下转第5版)

      (紧接第4版)同时这也是当下中国人物画创作应该思考的问题:融合应是之融合,而非技法之融合。

      刘:明清肖像画对近现代艺术大家有着深刻的影响,比如任伯年(1840-1895)等“海上画派”画家就受到了“波臣派”凹凸画法的影响。而留学的中国画家也在留学前,或多或少被明清肖像画所影响。比如徐悲鸿(1895-1953)早年创作的一批水彩人物画,就有明清肖像画的影子。留学日本的张善孖(1882-1940)在其艺术表现形式中也有凹凸晕染法。这些留洋画家的早期创作风格虽然受到明清肖像画的影响,但其继承和学习并不纯粹。徐悲鸿对任伯年非常,他曾在其亲笔撰写的《任伯年评传》中称赞任伯年为“仇十洲以后中国画家第一人”。徐悲鸿早期临摹任伯年的作品,在继承传统肖像画方面还不是很到位。近现代以来,外来文化大量涌入,诸如的一些印刷品等开始传入国内。此时明清肖像画的写实能力已经满足不了人们的审美需求。明清肖像画与油画的写实性相比尚具有一定距离。而恰在此期,科学救国的也影响了中国艺术界。徐悲鸿等留学欧洲的艺术家,直接接纳了的科学之风,包括严谨的解剖、科学的透视、体面、光影和色彩学等。他们以最大的努力学习西画之长,将之运用在中国肖像画的创作中。然而,这些留洋艺术家在童年时期都曾接受过中国传统教育。传统中国绘画思想在他们的脑海里已经烙下深深的印记。在他们创作的肖像画里,中华传统文化的基因处处可见,并且保留得非常精致。比如,徐悲鸿1940年画的中国画《泰戈尔像》接受了的绘画元素,但保留了强大的中国文化基因。这主要得益于他自童年时代就受到的传统教育已经深入骨髓。明清画家借鉴的元素相对浅显,但恰恰是这种浅显完善了明清肖像画自身的风格转变。而近现代以来留洋艺术家对艺术的认知,已经达到了高级境界。徐悲鸿去巴黎高等美术学院深造时,所接触到的多是大师之作。他的老师包括巴黎高等美术学院院长贝纳尔(1849-1934)等人,都是艺术的精英。我前面已经提到,明清人所看到的艺术作品,并不代表的主流艺术,所以他们对科学把握不准。而近现代则不然,这些留洋精英直接接触了大师之作,对体面、结构的把握更加精准。再加上他们深入骨髓的中国传统文化基因,所以这时的融合要比明清时期更为深刻。

      张:中国近现代肖像画风格更多地受到了绘画的影响,如齐白石(1864-1957)、蒋兆和(1904-1986)早年都为谋生而画过“擦炭画”。您认为肖像画技法对他们的艺术有哪些影响?

      刘:蒋兆和虽没有到过学习,但他的肖像画带着擦炭的影子。他似乎有着特别超人的,他画过油画、从事过雕塑,为了生活也画过擦炭肖像。他和徐悲鸿等人的绘画相比似乎缺乏正统的专业绘画的训练。但正是由于这种非专业、非正统,才使得他达到了中国肖像画史上别人无法达到的水平。比如,他的肖像画既蕴含着东方的传神之韵,又兼具绘画之结构关系。虽然这二者的关系在其作品中表现得还都不太成熟,却相融适度,因而他能够成为一代大家。在我看来,徐悲鸿和蒋兆和的肖像画作品已经达到了中国近现代以来的巅峰。虽然中国画随着时代的进步还在向前发展,但对于徐、蒋这两座高峰后人将难以企及。徐悲鸿的线描以中国书法为基础,蒋兆和的肖像画是在东文化不成熟的嫁接之下,而产生的一种特有神韵。

      通过明清肖像画和近现代大家的肖像画比较,可以思考当代人物画的发展方向。有人说齐白石不会画人物,所以他不是一个真正的大画家。我认为这个观点是错误的。若用绘画的标准来评判齐的肖像画,那么他肯定会被认为是不高明的画家。但齐白石作为一个中国画家,他虽然没有涉猎过,却保持了中国特有的造型能力,以及超乎寻常的归纳和概括能力。他不是,所以对其肖像画应另当别论。

      我曾记得先生讲过一个故事,李苦禅(1899-1983)带着齐白石去看的一个油画展,齐白石当时对油画非常感兴趣。他对李苦禅说如果他年轻一些,一定会学习油画。这件事情说明大艺术家对于外来艺术都持有一种包容的态度。如果齐白石年轻时也学习油画,可以推知他后来再创作中国画肯定会大不一样。大艺术家对待新鲜事物,无论接受与否,其结果必定惊人。这正是大艺术家的高明之处。

      张:当下中国人物画坛强调以明暗素描为中心,弱化线条的表现力,这非常值得深思。明清人物肖像画虽然不是中国人物画发展的高峰,却很好地融合了绘画的形式和风格,这对于我们当今人物画的创作有何借鉴?

      刘:当下很多高校和画院都在讨论素描和中国画的关系。有人说素描毁了中国画,影响了中国画的发展,而我并不这样认为。我觉得素描首先解决了造型问题;其次素描应该中国化。毛在看过董希文创作的油画《开国大典》之后,就高屋建瓴地提出了“油画要民族化”的问题。外来文化如何嫁接中国传统文化,如何将之与自身基因相融合,这都是需要深入探讨的问题。对于素描,中国画家不应该。在当今画坛,素描已经改变了中国画的表现形式。比如,古代花鸟画和现代花鸟画已然区别很大。画家应当借助素描来创作人物画,这既是时代的需要,也是中国画变革的前提。

      如何进一步深入认识素描将是中国画变革的重中之重。中国人可以画素描,也可以借鉴素描,但是借鉴谁的作品,借鉴哪个流派,借鉴哪个时期的作品,这才是关键所在。古典主义画派的素描,例如丢勒(1471-1528)、荷尔拜因(1497-1543),以及法国安格尔(1780-1867)等人的素描,和中国古代艺术都有一个共同点:线性表达。线性表达既是东方人的审美,也是全人类的审美。对于中国人物画如何借鉴素描,选择永远比努力更重要。比如徐悲鸿去留学,他借鉴了古典绘画。如果他借鉴现代派的绘画风格,那只能是昙花一现、风行一时而已。这恰恰说明的艺术可以借鉴,但要有选择。的所有艺术不一定都是好的,我们既要了解本民族艺术的优劣,同时也要了解艺术的优劣。这才能做到吸其优,去其劣。素描是一门单纯的艺术,它需要一颗单纯的心。中国人物画家在选择素描的时候,要强调把那些有利于中国笔墨表达的因素吸收进来。这需要智慧的选择和认知。

      当下中国人物画坛,存在大量低标准素描涌入的现象。推崇不高级的素描其实是认知的问题,重要的是如何回归的传统素描。那些完全抛去素描,或者认为素描是对人物画的观点,我认为是的。从一定意义上讲,只有真正的中国画家,才有资格去评判素描与中国画的关系。因为我画中国画,所以才深刻感觉到素描解决了传统中国画中很多难以解决的问题。

      当然,中国传统的问题也需要解决。中国的文脉虽然未断,但已经大不如前。这就像河流出现各种支流一样,使水流变得越来越小。如果在自身的传统文化打造上具有局限性,如果不能知己知彼,如果对文化的借鉴也有局限性,甚至出现盲目和急躁的现象,这显然都不正确。对于吸收什么样的素描,如何去吸收,我认为应该保持一种中庸的态度。对于此,我们作为从艺者更应该深刻自己。

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    点击次数:  更新时间:2020-08-03 17:00  【打印此页】  【关闭

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