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  • 略论中国画的特点
    新闻分类:艺术集藏   作者:申博    发布于:2019-09-22 14:59    文字:【】【】【

     

      曾先后任助教、、副教授、华英才艺术研究院院长、中国画系教研室副主任、教授至今、擅长中国白描人物画和水墨山水画。

      我们中华民族有数千年的历史,创造了灿烂的古代文化。而中国画艺术就是古代灿烂文化的一部分,它是劳动人民创造,许多优秀画家劳动积累,具有我国民族特点的宝贵艺术遗产。

      几千年来中国绘画留下了大量优秀作品,从类别上主要可分为人物画、山水画、花鸟画三部分。大体上在五代以前,以人物画为主,元代以后以山水画为主,而宋代则是人物、山水画并盛的时期。从表现形式和技法上看,可分写意、工笔重彩两部分。五代以前,以色彩为主,元代以后,以水墨画居多。宋代作品,色彩和水墨都不错,可说是相映交辉。

      从现存最早的长沙出土的晚周帛画和马王堆出土的西汉帛画看,两千多年前的绘画艺术就已有较高的工艺水平,特别是马王堆出土的丝织品上的绘画,图象用单线平涂绘成,线条流畅,描绘精细,色彩绚丽,这在我国古代帛画中是少有的。

      东晋时期杰出的人物画家顾恺之所绘的《洛神赋图》和初唐杰出人物画家阎立本的《 帝图卷》,都是较早的用线塑造人物的中国人物画佳作。唐代是中国封建经济文化的兴盛时期,中国画特別是人物画和教壁画发展很快,出现了吴道子、张萱、周昉等著名人物画家。吴道子在绘画史上被称为画圣。张萱的《捣练图》,周昉的《簪花仕女图》,都是唐代传下的工笔重彩人物画的杰出作品,至今仍是借鉴学习中国画的范本。唐代以后曾经出现大量的壁画,最具有代表性的要算敦煌壁画和元代的永乐宫壁画。很多优秀绘画出自民间画工之手。有人从绘画创作和形式上说整个唐代是壁画时代。仅吴道子一生在长安、洛 阳一带就画了近三百多间壁画。到了宋代,封建王朝办起了画院,封建主开始收藏书画名迹,画院也培养了一些杰出的专业画家,使得中国古典绘画趋向成熟。张择端的《清明上河图卷》可算中国古代绘画的杰作。他在长525公分、宽25.5公分的画面上,表现了高度的现实主义手法和艺术才能,描写了北宋首都汴京城内外的繁华场面,从人物动态的描绘到构图透视的处理,都具有很高成就。另外如李公麟的白描人物和梁楷的减笔人物,对后人都有影响。宋代在人物画的表现形式和技法的发展上可说是多方面的。

      中国六朝时就有的山水画,宋元以后,这一画类开始发展,一些优秀的山水画家继承了前人的优秀传统,提高了水墨渲染的表现能力,使得中国绘画的面貌起了新的变化。

      隋朝展子虔的《游春图》是青绿重色的山水画。唐代吴道子的嘉陵江山水,李思训的禁中和海外山水,王维的诗中画都表现了山水画的新技法。五代和宋代山水画家更多了。荆浩的云中山顶,关仝的远店村居,董源和巨然的江南雨景,郭熙的溪山雪霁,范宽的雄峻华山,米芾父子的江南雨景,李唐的中州山水,夏珪的钱塘山水,都充分发挥了画家的创作才能,都能外师造化,中得心源。

      元明以后有影响的山水花鸟画家,有黄公望、倪瓒、沈石田、文征明、唐寅、仇英、董其昌等人。明末清初,中国山水画形式主义倾向严重。石涛和八大山人由于具有较深的艺术见解和,和形式主义作斗争,不受成法,敢于标新立异,因而成就较高。

      数千年来,祖国历史上的画家们在劳动实践中留下了许多优秀作品,也总结出系统而有创造性的画论供后人学习借鉴。

      长期以来,有人把中国画的特点说成是线描。这样说,把中国画发展中的主要特征看得太简单了。要了解中国画的主要特点,就要对中国绘画传统中现实主义的创作方法有所了解。

      公元四世纪。东晋画家顾恺之总结自己作画的实践经验,提出了 传神写照、以形写神”、迁想妙得的现实主义绘画理论。他要算中国画理论的奠基人。魏晋南北朝以前,作画的人多侧重如实描写,求得形似,但这已经不能满足欣赏者的要求。而顾恺之提出的传神写照把绘画创作的要求大大提高了一步。什么叫以形写神、迁想 妙得呢?就是画家在描写对象时,要在刻画对象形的基础上,达到传神的境界。这就不是限于对物象简单的如实描写,而色含了作画者从感性认识到认识,再从认识到艺术表现的完整过程。它不是物象简单的再现,而是比原来生活中的物象更高更概括,也就是更传神了。这种作画的态度,是中国画现实主义创作方法的基础。

      五世纪南齐著名人物画家和绘画理论家谢赫,总结和发展前代绘画理论中的,形成较为完整的中国画理论,即所谓六法:

      谢赫的这些画论成为中国画创作和评论的标准,使中国画创作有了进一步的发展。唐代张文通又提出了 外师造化,中得心源八个字。外师造化,中得心源在意思上和迁想妙得、以形写神“是一致的。从字面上看,师字很重要,师造化,不是重现自然,而是以自然为基础,也就是以生活为源泉,通过作者的艺术加工而表现到画面 上。得心源就是自然景物和作画人的思想感情融会在一起以后得到的艺术形象。这就是有人用最通俗的语言所形容的:吃进去一一消化一一吐出来。著名山水画家荆浩在笔法记中,对外师造化,中得心源八个字作了进一步的补充和阐发,提出了六要,就是气、 韵、、思、景、笔、墨。认为写生凡数万本,方如其真。石涛也提出搜尽奇峰打草 稿。从宋元以至明清,很多杰出的山水画家遵循这种创作方法,创作了很多优秀的作品。

      了解了中国绘画传统中现实主义和浪漫主义相结合的创作方法,就能更清楚地认识中国画的特点了,如果加以简要概括,可以归纳为两点:一是意境,二是笔墨。

      意境在中国画中包括的内容很多。一张画的主题,其取景构图,造型准确和传神,情节安排与描写,画面的经营处理,都须在意“学上下功夫。王维说:凡画山水,,意在笔先”。选所谓:“骨气形似,皆本于立意。还有人说:画立于意而归于笔”。总之,意可以说是一张画的灵魂。

      中国画向来就被说成画是无声诗,画有诗境。过去常说:画中有诗,诗中有画。唐诗里许多诗境也是画境。王维既是杰出的诗人,也是杰出的画家。他写的诗句:落花寂寂啼山鸟,杨柳青青渡水人,行到水穷处,坐看云起时,又是多么抒情的画面,当然,这个意境也是当时唐代诗人的意境,用今天时代标准来看当然不够。

      我们常看到中国画,寥寥数笔,而境大意深。区别每个民族的艺术,除了内容以外,最重要的在于表现方法。中国画表现形式比较简单而内在东西很丰富。中国画描绘的景物,不受光线投影的,不求自然主义的色彩涂抹,它可以得其精而忘其粗,取其内而忘其外,见其所见,不见其所不见,视其所视,而遗其所不视。用浪漫主义手法大胆取舍,大胆强调,大胆处理。顾闳中的《韩熙载夜宴图》背景仅几片画屏屏和简单道具,没有画屋宇亭角,没有灯光和投影,但给观众一种室内夜宴的感觉。象中国戏剧一样,舞台上没有树、 石、车、马,聚光灯还直射台面,几个演员却可以表演夜战武打。齐白石画鱼虾,有时连水纹线也不画,人们却感觉到鱼虾在清澈的水草中游荡。中国画常常是由小见大,以少胜多,画面的描绘处理,不是可有可无的东西,甚至每一点空白都是充满内容的空间。以有限的东西,表现不受这有限东西所的形象。

      一张画常常是对象特征和画家感受的适当表现,才产生了诗意。情景交融的形象是诗的形象,所谓意中有意,味外有味的形象才是耐人寻味的艺术形象。一张情意深,表现力强的画对看画的人能保持着广远持久的吸引力。

      关于用笔,谢赫六法中第二点就讲骨法用笔。一张画有了 立意,通过什么来表现呢?主要是笔墨。当然色彩也是要素之一。笔和墨单独讲都是工具材料,但笔墨加在 一起,经过画家运用,就表现出中国画艺术上的。笔墨运用得好坏是画家表现物象、表达意境,做到形神兼备的重要条件。

      中国画很重视线的表现,用线来塑造形象。所谓骨法就是指的造型骨架;所谓 用笔就是通过具体的线去表现物象于画面。线是对客观物象提炼取舍的结果,有的把线条说成是物象之本。中国画塑造形体,不管是工笔重彩还是水墨写意,不管是人物画或山水花鸟画,都是很讲线的运用的。线是不是准确表达物象,是不是有力量,有没有音乐的韵律感,都靠笔的运用。怎样才能运用好,古代很多人通过书法来提高运笔能力,所谓书画同源。写字可以练腕,可以加强画家驾驭笔的能力,执笔时手不为笔使。用笔纯熟,能产生笔力、笔意、笔趣,能变换虚实,使浓淡轻重拙巧适度。古代画家,对线的运用是很下功夫的。有的在长期实践中形成了自己用线的风格。如古画论中形容顾恺之的线似春蚕吐丝,形容尉迟乙僧的线(画衣纹)如屈铁盘丝,形容吴道子的线(画衣纹)如吴带当风,形容曾仲达的线如曹衣出水。著名山水画家黄宾虹学习了前人的经验,并总结自已的实践经验后提出:

      前辈画家不仅总结了运笔的宝贵经验,而且总结出线用得好坏的标准,如甜而不俗,辣而不霸,熟而后生,拙以藏巧,老不枯,润不肥,……这些标准实际上是对立统一的。笔关键在用,我们看有的画用笔淋漓洒脱,遒劲蹁跹,好象画得很不费劲,但这是下过苦功, 用笔如命的结果。不会用笔画不好线,有的如钉头、鼠尾,有的象蜂腰鹤膝,潦草轻佻,锋芒外露,枝枝节节,毫无意味。

      关于用墨,有的讲,笔着重在勾出轮廓,要求线的优美,墨的功夫着重在渲染和表现面。笔以达气,墨以生韵。用墨使画面气韵表现生动。古人所谓墨分五色。墨是黑的,怎么能分成五色呢?这是形容墨在表现物象时,能产生出多种层次不同的色彩感。一砚黑墨,通过笔和水的调配,画家以干、湿、浓、淡表现出丰富的物象。所谓笔精墨妙,妙在出于自然,不是人而成。画家利用引笔的快、慢、转、折、摇、曳,使墨从笔里自然流出,在宣纸上自然变化,出现各种复杂的墨色,这种意想不到的干、湿、浓、淡,不是简单表现物象本身的光暗凸凹变化,而有画者主观情趣。

      古人墨法很多,有浓墨法、破墨法、积墨法、淡墨法、泼墨法、焦墨法、宿墨法。归纳起来可分两类,一是积墨法,一是泼墨法。这两类法各有所长。常常是把积墨的淳厚用到泼墨中,淡中求厚,而将泼墨的润味用到积墨中去,积墨法的感觉就好了。积墨要积而不板,泼墨要泼而不薄(单)。

      以墨代色,也是中国画的创造。中晚唐,在画家中曾普遍流行以墨代色。画家以墨色的不同变化,表现各种色彩感觉,充满着浪漫主义色调。如红花不是用绿叶衬,而是用墨叶衬,使花显得更红艳。这就不是自然主义的描写。

      中国的墨很讲究。用在宣纸上,层次变化多,流光润彩,清新诱人。通过它产生艺术效果,把生活形象变为艺术形象。

      中国画除意境和笔墨两个特点外,还有构图(也就是中国画常讲的章法)、透视(中国画很多作品采用散点透视)、色彩、题跋、印章等,但这些不能说是最主要的特点。过去有人常说:诗、书、画、印溶鋳一炉。”这是说中国画和诗、书、印的关系。— 张画不单有诗的意境,而且有诗句的补充,好的诗句锦上添花。再加写艺术的题跋和印章的补充,会使画面更加完美。

      中国绘画的优秀作品和丰富的画论是宝贵遗产,需要我们继承和借鉴。目的是古为今用,以发展创造新的中国画。

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