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  • 山水画这么美为什么“看不懂”?
    新闻分类:艺术集藏   作者:申博    发布于:2019-11-12 15:17    文字:【】【】【

     

      山水画中的“山水”二字绝不是简单的风景概念,它包含着中国文化的诸多含义和象征。比如:山是阳、水是阴,象征着互补;山是刚、水是柔,体现了刚柔相济;山是实、水是虚,代表的是中国文化中虚实相生的概念。

      不过,山水画在诞生之初,并没有被赋予这样深层的意义。最初的山水画只是人物的背景。最典型的就是顾恺之的名作《洛神赋图》。这是一幅人物为主的作品,山山水水只是人物的背景或作为场景的转换而出现,而且在这幅画中,山水画比例并不是很协调,可谓“于山,水不容泛”。

      直到隋唐时期,山水画才渐渐成为一种的画种。山水画的主要是受到魏晋南北朝时期山水诗的成熟和发展的影响。著名的山水诗人陶渊明、谢灵运、王维等,他们隐居山林感受自然,过着的避世生活并留下了很多描写田园、山水的诗篇,这是山水画得以并发展起来的重要推动力。

      两宋时期的山水画达到了艺术的巅峰,笔墨的皴法已趋向成熟完备,画家可以用笔墨精微地表现出自然万象。但此时,画家画画主要还是为了表现客观的自然,通过高超的技艺描绘景物的真实存在。

      在北宋时,除了宫廷和民间各自存在有数量可观的职业画家外,还有一支业余的画家队伍存在于有一定身份和的文人学士中。他们虽然不以此为业,但是在绘画的创作实践和探讨方面,都有显著的特点和突出的成就,并且自成系统,这就是当时被称为“士人画”,后来被叫做“文人画”的一类。文人画兴起于北宋初期,苏轼最早提到“文人画”这一概念,其主要特点是主张以抒发作者的主观情趣为目的:取材花鸟竹石、水波烟云、借物寓意、回避现实,在创作方法上不受程式,在艺术形式上强调诗、书、画、印的结合等。文人画的兴起,促进了中国山水画的发展。在山水画领域,这种画风在宋之后通过“元四家”的艺术追求和实践,成为画坛的主导。

      转折发生在元代,画家们画山水不再是为了客观地去表现自然、再现自然,而是逐渐为主观地表现自己的。元代大画家黄公望画《富春山居图》用了四年,这四年间他画画停停,时断时续,不断地思考和探索。这幅画记录了他的困惑与迷惘,他世界的起起落落。在四年时间里,他悟出一点,就加一点上去,他画出了自己的人生理想,画出了心态的变化以及对艺术的。

      在技法上,以赵孟頫为代表的画家们开始把书法用笔运用到了绘画中。赵孟頫在《秀石疏林图》中题道:“石如飞白木如籀,写竹还与八法通,若也有人能会此,方知书画本来同。”他主张在绘画中强调书写性的线条。从此,书与画合二为一。

      明清以后,山水画的发展多以笔墨的变化来推进,笔墨的内涵也越来越多,逐渐,笔墨一词成了中国画的代名词。

      欣赏中国山水画,欣赏的其实是程式演绎中的笔墨美。正如明代书画家董其昌在谈论笔墨与自然山水时所说:“以蹊径之奇怪论,则画不如山水,以笔墨之精妙论,则山水决不如画”。

      艺术的高妙往往与工具材料有密切关系,要看懂笔墨美,先得了解笔墨的工具——毛笔,了解了毛笔的运用奥妙,有助于中国画的精妙所在。

      “为什么今天大多数人会觉得看不懂中国画了,因为现代社会已经不用毛笔,连硬笔都不用了,我们用手指在屏幕上轻轻点击和滑动的方式来接受、传递信息,对毛笔的疏远自然造成无法感受笔墨的精妙,也就对中国画的欣赏产生了隔阂。”邵仄炯说。中国的毛笔与的油画笔有诸多不同,毛笔是圆锥形的,有笔尖、笔腹、笔根,而油画笔有点类似扁平的刷子,这就在技术上决定了这两种艺术所运用的技法是截然不同的。

      笔墨中蕴含着中国山水画的诸多技法。首先是勾、皴、擦、点、染等基本技法。此外,用墨、用水、用色的技法还包括:积墨、泼墨、破墨、洒、拓等。设色的技法有浅绛、青绿、金碧。从画法上来说还可分工笔、意笔、没骨等。对这些技法有了基本的了解,欣赏山水画时就不再是外行看门道。

      笔墨在纸绢上会留下不同的痕迹,如点、线、面,这些笔墨痕迹还有不同的变化:粗细、大小、长短、浓淡、干湿等等。一幅好的作品其实就是将不同的笔墨形态合理、优良地进行组配,产生有美感的作品。

      戏迷们都知道,看一出戏,看的是角儿的“手、眼、身、法、步”,即程式之美,不同的角儿即使演的是同样一出戏、同样的程式,都能演出各自的风格。欣赏山水画也是如此,山水画的程式是画家通过对自然的全面观察、深入思考以及不断地总结概括、提炼出来的艺术符号与语言。笔有笔法、墨有墨法,画面的构成、线条的运用、形象的创造、色彩的配置乃至题篆用印都有一定的程式。有了程式,画家就有了对自然的认知结构。

      以皴法为例,皴法主要有披麻皴、雨点皴、卷云皴、大斧劈皴﹑小斧劈皴等。五代画家董源擅长以披麻皴表现南方较松软的土石,最著名的就是他的《潇湘图》。李唐、马远的大小斧劈皴则擅长表现山石块面的分明与石质的坚硬。

      对于大多数收藏书画的人来说,欣赏山水画只止于能否看懂,他们的欣赏步骤是:画的是什么?画得像不像?画家这种造型的寓意是什么?如果都回答出来了,便认为这幅字画他们看懂了,如果回答不出来,便认为是看不懂。这种欣赏的方式其实就是线性的思维方式,很片面不深入。用这种方法来欣赏中国山水画,一般来说,工笔山水比较容易看懂,因为他描绘的都比较真实。

      如果水墨大写意山水画,就很难欣赏了,因为它具体,太抽象。当然,一般人用这种方法欣赏山水画是完全可以理解的,因为画得像,看得明白,才容易引起联想、产生共呜。但是我们必须明白,一幅山水画作品的好坏,却不是以像或 不像来衡量的。

      就艺术而论,我们衡量一件山水画作品的好坏,或我们欣赏一件山水画作品,首先不在于它像或不像,而在于山水画作品的主题,或者说山水画作品中所辐射出的某种观念、某种思想、某种情绪,能否紧紧地抓住观赏者的心弦,能否给人以充分的艺术审美享受,并使人从中获得某种启迪和教育。

      应该说,这才是一切艺术作品的真正目的。像与不像仅仅只是作品一种达到目的的手段而不是目的本身。因此像与不像就不能作为衡量作品的好坏或欣赏作品的标准。

      那么,画家们是怎样来看画的呢?就国画而言,内行人看画一般是看画面的整体气势,用美术术语来说就是先体味其神韵,或者神似,然后再看它的笔墨趣味,构图、着色、笔力等。最后才看它的造型,即像不像或形似。内行人的这种抓神韵的欣赏方法当然是抓住了实质,因为神韵就是一种高的艺术审美享受,常常是中国画家们的追求达到的目标。

      当然,一般的人要从画中去体验到一种神韵却并不是一件容易的事,那不但需要一定的审美能力、艺术,也还需要具备一定的山水画方面的基本知识,特别是通过山水画而训练出来的一种感觉。所以要很好地欣赏山水画,还得具备多方面的才能和艺术。

      但是,如果我们从以下几个方面去欣赏山水画作品也许更能理解一些。有人提出,字画鉴赏需要经过审美、审美理解和审美创造三个阶段,那么从这样三个方面去欣赏山水画作品是很有道理的。

      审美就是要求我们直观地去审美对象,即艺术作品本身,我们可以去山水画上画的是什么?画得像或是不像,色彩是鲜明的或是灰暗的,线条是流畅的或是笨拙的,表现手法是工笔的或是写意的等等,总之要自己亲自地平气地进行直观的感受。第二步,在审美的基础上进行审美理解。即在直观感受的基础上,进行理解和思考,把握作品的意味、意义和内涵。这种理解包括对作品的艺术形式和艺术技巧的理解;对作品表现的内容和表达的主题的理解;以及对作品的时代背景和时代的理解等等,这就需要充分调动我们的思考能力。

      我们可以一步一步地想下去:这幅山水画作者想要表现什么?是通过什么手法来表达的?所采用的艺术手段是否恰当?能否充分地表达出主题?同时,透过作品的画面,猜测作者的心思,是热情地或是辛辣地;透过画面的气氛,体验画面的情调:是深沉或是豪放,是乐观或是悲伤。再还可以根据已有的知识结构,结合作者的身世、创作特点和所处的时代背景等进行分析。

      最后山水画的欣赏,还有一个审美创造阶段。就是通过审美的和审美的理解后,在对作品审美的基础上进行再创造,通过自己积累的美得体验、文化知识、生活感受等进行丰富的想象、再创造出一个新的意象来。这样你才能真正的欣赏到山水画的美来。

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